Perla Palmieri - My jazz identity

 Perla Palmieri - My jazz identity

(Notami - 2026)

 

L’esordio di una cantante, specie in ambito jazzistico, è un passo importante, sempre. My Jazz Identity di Perla Palmieri, pubblicato dall'etichetta Notami, mostra una precisa consapevolezza artistica: un lavoro intenso, elegante e profondamente personale, costruito con pazienza attraverso anni di studio, ascolto, ricerca vocale ed esplorazione musicale. Il titolo dell’album non lascia spazio a equivoci. L’identità evocata dalla giovane artista marchigiana non è soltanto una dichiarazione stilistica, ma diventa il cuore stesso del progetto. In questi 57 minuti di musica emerge infatti una forte coerenza espressiva: ogni interpretazione, ogni arrangiamento ed ogni scelta sonora sembrano convergere verso un’unica esigenza, quella di raccontarsi sinceramente attraverso il jazz. Non sorprende quindi che il progetto abbia ottenuto il prestigioso Pathway To Jazz Award 2025, importante riconoscimento americano promosso dall’omonima organizzazione del Colorado, che ne sostiene anche la pubblicazione. Un premio che conferma il valore internazionale di un lavoro capace di unire tradizione jazzistica e sensibilità contemporanea. L’aspetto più interessante del  disco è forse proprio questo equilibrio tra rispetto della tradizione e ricerca personale. Perla Palmieri non si limita ad interpretare il repertorio jazzistico: lo attraversa con una voce riconoscibile, mai manieristica, capace di muoversi con naturalezza tra eleganza tecnica ed intensità emotiva. Emblematico, in questo senso, il remake di Fascinating Rhythm, classico scritto nel 1924 da George Gershwin con testi di Ira Gershwin. La rilettura della Palmieri evita ogni esercizio nostalgico e restituisce invece freschezza al brano, grazie ad un’interpretazione misurata ma ricca di personalità. La cantante lascia inoltre spazio ai musicisti che la accompagnano, creando un dialogo autentico che evidenzia la sintonia maturata durante il lavoro in studio. Al Miriam Recording Studio di Roma, dove l’album ha preso forma, insieme a Perla Palmieri, troviamo infatti lo special gusti assoluto valore Max Ionata al sax tenore, Simone Bortolani alla chitarra, Giuseppe Dato al pianoforte, Alberto Zuanon al contrabbasso e Max Verrillo alla batteria: un ensemble compatto e sensibile, capace di sostenere con equilibrio tanto i momenti più intimi quanto quelli maggiormente dinamici. Tra i brani più significativi emerge sicuramente Maiolica, composizione originale che rappresenta forse il punto più personale dell’intero disco. Qui la scrittura della Palmieri riesce a trasformare immagini, appartenenza territoriale ed emozioni in una narrazione musicale intensa e cinematografica. Il titolo richiama immediatamente la tradizione artigianale marchigiana e sembra quasi suggerire un parallelismo tra il lavoro dell’artigiano e quello del musicista: entrambi modellano materia grezza trasformandola in espressione identitaria. Molto interessante anche il brano E’ per te, disponibile anche come video (https://www.youtube.com/watch?v=84bdKGqxnlQ&list=RD84bdKGqxnlQ&start_radio=1), e la rilettura del brano di Chick Corea 500 miles high. Ed è proprio il concetto di identità a diventare il filo conduttore dell’intero album. Non come semplice autoaffermazione, ma come ricerca di autenticità. In questo senso il jazz di Perla Palmieri appare profondamente vissuto, quasi necessario. Una musica che non punta all’effetto immediato, ma che conquista progressivamente grazie alla cura degli arrangiamenti, alla qualità interpretativa e alla sincerità emotiva che attraversa tutto il progetto. Dopo i riconoscimenti ottenuti negli ultimi anni — dal Premio del Pubblico al Premio Internazionale Massimo Urbani 2023 fino al Premio del Pubblico al Premio Nazionale Chicco Bettinardi — My Jazz Identity sembra rappresentare per Perla Palmieri non un punto di arrivo, ma soprattutto l’inizio di un percorso artistico già sorprendentemente maturo e riconoscibile.

Tracklist: Pure imagination; Fascinating rhythm: My Camellia; 500 miles high; Maiolica; E' per te; Daahoud; La terra mia; Yatra-tà; Choro pro Zé

 

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A singer's debut, especially in the jazz field, is always an important step. Perla Palmieri's My Jazz Identity, published by the Notami label, demonstrates a precise artistic awareness: an intense, elegant, and deeply personal work, patiently constructed through years of study, listening, vocal research, and musical exploration. The album's title leaves no room for ambiguity. The identity evoked by the young artist from the Marche region is not merely a stylistic statement, but becomes the very heart of the project. Indeed, throughout these 57 minutes of music, a strong expressive coherence emerges: every interpretation, every arrangement, and every sonic choice seem to converge toward a single purpose: to sincerely express oneself through jazz. It's therefore not surprising that the project has won the prestigious Pathway To Jazz Award 2025, an important American recognition promoted by the Colorado-based organization of the same name, which also supports its release. This award confirms the international standing of a work capable of uniting jazz tradition and contemporary sensibility. The most interesting aspect of the album is perhaps precisely this balance between respect for tradition and personal exploration. Perla Palmieri doesn't limit herself to interpreting the jazz repertoire: she traverses it with a distinctive, never mannered voice, capable of moving effortlessly between technical elegance and emotional intensity. Her remake of Fascinating Rhythm, a classic written in 1924 by George Gershwin with lyrics by Ira Gershwin, is emblematic of this. Palmieri's reinterpretation avoids any nostalgic exercise and instead restores the piece's freshness, thanks to a measured yet personality-rich interpretation. The singer also gives space to the musicians accompanying her, creating an authentic dialogue that highlights the harmony developed during studio work. At Miriam Recording Studio, where the album took shape, alongside Perla Palmieri, we find the special gusti assoluto valore: Max Ionata on tenor sax, Simone Bortolani on guitar, Giuseppe Dato on piano, Alberto Zuanon on double bass, and Max Verrillo on drums: a compact and sensitive ensemble, capable of sustaining both the most intimate and the most dynamic moments with balance. Among the most significant tracks, Maiolica certainly stands out, an original composition that represents perhaps the most personal point of the entire album. Here, Palmieri's writing manages to transform images, territorial belonging, and emotions into an intense and cinematic musical narrative. The title immediately recalls the Marche artisan tradition and almost seems to suggest a parallel between the work of the artisan and that of the musician: both shape raw material, transforming it into an expression of identity. Also very interesting is the song "E' per te," also available as a video (https://www.youtube.com/watch?v=84bdKGqxnlQ&list=RD84bdKGqxnlQ&start_radio=1), and the reinterpretation of Chick Corea's song "500 miles high." And it is precisely the concept of identity that becomes the leitmotif of the entire album. Not as simple self-affirmation, but as a search for authenticity. In this sense, Perla Palmieri's jazz appears deeply experienced, almost necessary. Her music doesn't aim for immediate impact, but gradually wins over thanks to the careful arrangements, the interpretive quality, and the emotional sincerity that runs through the entire project. After the accolades received in recent years—from the Audience Award at the 2023 Massimo Urbani International Prize to the Audience Award at the Chicco Bettinardi National Prize—My Jazz Identity seems to represent for Perla Palmieri not a point of arrival, but above all the beginning of an already surprisingly mature and recognizable artistic journey. 

 

Tracklist: Pure imagination; Fascinating rhythm: My Camellia; 500 miles high; Maiolica; E' per te; Daahoud; La terra mia; Yatra-tà; Choro pro Zé

 

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Pierfrancesco Ceregioli & Chamber Jazz Orchestra - Live in Barcelona

Pierfrancesco Ceregioli & Chamber Jazz Orchestra 

Live in Barcelona

(Notami - 2026)

 

Alcuni dischi dal vivo si limitano a documentare un concerto mentre altri riescono invece a trasformare un’esibizione in un racconto sonoro coerente, cinematografico, quasi narrativo. Live in Barcelona, pubblicato nel mese di febbraio dall'etichetta Notami, della Pierfrancesco Ceregioli Chamber Jazz Orchestra appartiene senz’altro alla seconda categoria. L’ensemble ideato e diretto dal musicista marchigiano nasce come un vero laboratorio espressivo in cui jazz, latin jazz, musica da camera e suggestioni cinematografiche convivono assieme senza forzature. Non si tratta soltanto di contaminazione stilistica: la scrittura di Ceregioli costruisce piuttosto un linguaggio personale, dove la dimensione orchestrale dialoga di continuo con l’improvvisazione e con una forte ricerca timbrica. Fin dai primi passaggi emerge una cifra compositiva raffinata, capace di alternare momenti di grande delicatezza cameristica ad improvvise aperture ritmiche e dinamiche. Il jazz resta il centro gravitazionale del progetto, ma attorno ad esso orbitano colori mediterranei, influssi iberici, armonie dal respiro cinematografico ed una sensibilità narrativa che richiama spesso il mondo delle colonne sonore. La formazione della Chamber Jazz Orchestra permette a Ceregioli di lavorare in profondità sugli arrangiamenti, cesellando dettagli, contrasti e sfumature con notevole eleganza. Il risultato è un suono che riesce contemporaneamente ad essere intimo ed espansivo: da una parte la cura quasi artigianale del dettaglio, dall’altra un’apertura emotiva ampia, visiva, evocativa. Dentro questa musica si percepisce anche il profilo umano ed artistico del compositore. I riferimenti alla natura, ai fiori, al viaggio ed all’incontro tra culture differenti non sono semplici suggestioni teoriche, ma diventano materia sonora concreta. Ogni brano pare nascere da un’esperienza, da un paesaggio o da una memoria trasformata in musica. Ed è qui che Live in Barcelona trova la sua identità più autentica: nella capacità di trasformare influenze molto diverse in un discorso unitario e riconoscibile. Classe 1993, nato a Macerata, Ceregioli porta nel progetto un percorso formativo particolarmente ricco e trasversale. Dal jazz alla musica elettronica, fino al sound design, la sua esperienza accademica e concertistica contribuisce a definire una visione moderna dell’orchestra jazz contemporanea. Gli studi al Conservatorio “G.Rossini” di Pesaro, l’esperienza Erasmus al Conservatorio Superior de Música de Valencia e le numerose collaborazioni internazionali emergono chiaramente nell’ampiezza del suo linguaggio musicale. Non meno importante è l’aspetto emotivo della performance live. L’energia del concerto non sacrifica mai la precisione della scrittura, mentre l’orchestra mantiene costantemente un equilibrio convincente tra disciplina cameristica e libertà improvvisativa. Questo rende l’ascolto fluido, dinamico e mai prevedibile. Live in Barcelona conferma così il talento di Pierfrancesco Ceregioli come compositore ed arrangiatore capace di costruire ponti tra mondi differenti: jazz contemporaneo, musica orchestrale, elettronica e immaginario cinematografico convivono in una proposta personale e fortemente evocativa. Un lavoro che non cerca effetti immediati, ma che conquista progressivamente grazie alla qualità della scrittura, alla profondità delle atmosfere e ad una visione artistica già sorprendentemente matura. 

Tracklist: Petali di primavera; Magic bricks fantasy; Game toon parade (Medley of Sailor moon. GTA San Andreas & Lupin III); Burattino ballerino; Si us plas 

 

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ENGLISH VERSION 

 

Some live recordings simply document a concert, while others manage to transform a performance into a coherent, cinematic, almost narrative soundscape. Live in Barcelona, released in February by the Notami label, by the Pierfrancesco Ceregioli Chamber Jazz Orchestra certainly belongs to the latter category. The ensemble conceived and directed by the musician from the Marche region was born as a true expressive laboratory in which jazz, Latin jazz, chamber music, and cinematic influences coexist without constraint. It's not just a matter of stylistic contamination: Ceregioli's writing constructs a personal language, where the orchestral dimension constantly engages with improvisation and a strong exploration of timbre. From the very first passages, a refined compositional style emerges, capable of alternating moments of great chamber-music delicacy with sudden rhythmic and dynamic openings. Jazz remains the project's gravitational center, but around it orbit Mediterranean colors, Iberian influences, cinematic harmonies, and a narrative sensibility that often recalls the world of soundtracks. The Chamber Jazz Orchestra's formation allows Ceregioli to work in depth on the arrangements, crafting details, contrasts, and nuances with remarkable elegance. The result is a sound that manages to be simultaneously intimate and expansive: on the one hand, an almost artisanal attention to detail, on the other, a broad, visual, and evocative emotional openness. The composer's human and artistic profile is also perceptible within this music. The references to nature, flowers, travel, and the encounter between different cultures are not simply theoretical suggestions, but become concrete sonic material. Each piece seems to arise from an experience, a landscape, or a memory transformed into music. And it is here that Live in Barcelona finds its most authentic identity: in the ability to transform very different influences into a unified and recognizable discourse. Born in Macerata in 1993, Ceregioli brings a particularly rich and diverse educational background to the project. From jazz to electronic music to sound design, his academic and concert experience contributes to defining a modern vision of the contemporary jazz orchestra. His studies at the "G. Rossini" Conservatory in Pesaro, his Erasmus experience at the Conservatorio Superior de Música de Valencia, and numerous international collaborations clearly emerge in the breadth of his musical language. Equally important is the emotional aspect of the live performance. The concert's energy never sacrifices the precision of the writing, while the orchestra consistently maintains a compelling balance between chamber music discipline and improvisational freedom. This makes for a fluid, dynamic, and unpredictable listening experience. Live in Barcelona thus confirms Pierfrancesco Ceregioli's talent as a composer and arranger capable of building bridges between different worlds: contemporary jazz, orchestral music, electronic music, and cinematic imagery coexist in a personal and highly evocative offering. A work that doesn't seek immediate effects, but gradually conquers thanks to the quality of the writing, the depth of the atmosphere, and an already surprisingly mature artistic vision.

Tracklist: Petali di primavera; Magic bricks fantasy; Game toon parade (Medley of Sailor moon. GTA San Andreas & Lupin III); Burattino ballerino; Si us plas

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L'Ombra della Sera - Segreti nel nero

 L'Ombra della Sera - Segreti nel nero

 (Black Widow - 2026)

Ascoltando Segreti nel nero mi è tornata addosso quella sensazione strana che provavo da bambino davanti agli sceneggiati della RAI. Quelle immagini in bianco e nero, lente, quasi ipnotiche, e soprattutto quella musica che ti restava dentro, spesso più delle storie stesse. Serie come Il segno del comando o Ritratto di donna velata non erano solo televisione: erano atmosfera pura, mistero che si insinuava piano. Ecco perché questo nuovo de L’Ombra della Sera – che poi altro non è che la “versione parallela” de La Maschera di Cera – (e che arriva dopo il debutto omonimo del 2012), non si limita a rifare quelle sigle: le ricrea, le espande, le vive. Ed è netta la sensazione: dietro c’è passione vera, memoria personale. Già dall’inizio, con Albert e l’uomo nero e Gamma (dell'indimenticato Maestro Enrico Simonetti, padre del fondatore dei Goblin Claudio), mi sono ritrovato subito dentro quel mondo: synth vintage, suoni sospesi, quella sensazione sottile che “qualcosa non va” (spesso guardavo la tv con un occhio chiuso ed uno aperto durante queste trasmissioni). Ed è un viaggio più che un ascolto. Quando parte Ritratto di donna velata sento ancora la pelle d’oca: gli arrangiamenti sono ricchissimi, quasi cinematografici, e sembra di rivedere quelle immagini lente ed inquietanti. A come Andromeda mantiene quel fascino fantascientifico un po’ rétro, ma lo amplia in chiave prog, mentre La traccia verde è tensione pura, costruita con grande intelligenza. Poi arrivano anche le sorprese come in : Fantastic fly, dall'inaspettato tocco funky / psichedelico che però funziona benissimo, e La ballata di Carini è più narrativa, quasi teatrale. Per chi ama il prog, ed è avvezzo dunque alla lunga durata dei brani, è innegabile che il fulcro centrale del lavoro sia Le venti giornate di Torino, ispirata al romanzo di Giorgio De Maria. Qui si va oltre tutto: una suite lunga, oscura, a tratti quasi disturbante. E sapere che nasce da materiale legato ad uno sceneggiato mai realizzato rende l’ascolto ancora più affascinante. È come se si stesse ascoltando qualcosa che non avrebbe dovuto esistere… e proprio per questo è ancora più potente. Il finale con Cento campane e A blue shadow (che mi fatto tornare alla mente anche la Hit parade di Lelio Luttazzi, che era d'obbligo ascoltare il venerdì al ritorno da scuola con immancabili acquisti dei 45 giri di grido), mi ha lasciato addosso quella sensazione malinconica e sospesa che ricordavo bene: quando finiva una puntata e restavi lì, a pensarci. E poi c’è il suono; caldo, avvolgente, vivo, leggermente “sporco” nel modo giusto. La scelta di usare strumentazione vintage fa una differenza enorme, e si sente in ogni passaggio. Un altro valore aggiunto è dato dai musicisti coinvolti, che si divertono a giocare con identità parallele (prendendo in prestito quelle degli sceneggiati stessi): Agostino Macor (tastiere ed orchestrazioni), Fabio Zuffanti (basso), Martin Grice (sax e flauto), Andrea Orlando (batteria) ed Alessandro Corvaglia (tastiere e voce). Musicisti che chi segue il prog italiano conosce bene, e che dimostrano ancora una volta la capacità di creare atmosfera prima ancora che tecnica. Segreti nel Nero (pubblicato dall'etichetta genovese Black Widow), appare come memoria trasformata in suono. È uno di quei lavori che funzionano ancora di più se hai un legame, anche solo emotivo, con quell’immaginario. Ma anche senza, resta un album ricco, evocativo, curato nei minimi dettagli. E sì, lo dico senza problemi: dopo averlo ascoltato, mi è venuta voglia di spegnere la luce… e restare un po’ lì, con quella sottile inquietudine addosso.

Tracklist:  Albert e l'uomo nero; Gamma; Ritratto di donna velata; Fantastic fly (racconti fantastici); A come Andromeda; La traccia verde; La ballata di Carini; Le venti giornate di Torino (a.introduzione; b.titoli di  testa; c.insonnia collettiva; d.segreti nel nero; e.tema di  clotilde; f.statue in  movimento; g.segreti nel nero (ripresa); h.titoli di coda); Cento campane (Il segno del comando); A blue shadow (Ho incontrato un'ombra)

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ENGLISH VERSION 

Listening to "Segreti nel nero" brought back that strange feeling I had as a child watching RAI dramas. Those slow, almost hypnotic black-and-white images, and above all that music that stuck with you, often more than the stories themselves. Series like "Il segno del comando" or "Portrait of a Veiled Woman" weren't just television: they were pure atmosphere, a mystery that slowly crept in. That's why this new installment of "L'Ombra della Sera"— which is nothing other than the "parallel version" of "La Maschera di Cera"— (and which comes after the 2012 debut of the same name), doesn't simply remake those theme songs: it recreates them, expands them, brings them to life. And the feeling is clear: behind them lies true passion, personal memory. From the very beginning, with "Albert e l'uomo nero" and "Gamma" (by the unforgettable Maestro Enrico Simonetti, father of Goblin founder Claudio), I immediately found myself immersed in that world: vintage synths, suspended sounds, that subtle feeling that "something's wrong" (I often watched TV with one eye closed and the other open during these programs). And it's a journey more than a simple listening experience. When "ritratto di donna velata" starts, I still get goosebumps: the arrangements are so rich, almost cinematic, and it feels like I'm seeing those slow, disturbing images again. "A come Andromeda" maintains that slightly retro sci-fi charm, but expands it with a prog twist, while "La traccia verde" is pure tension, constructed with great intelligence. Then come the surprises, like "Fantastic fly," with an unexpected funky/psychedelic touch that works very well, and "La ballata di Carini," which is more narrative, almost theatrical. For those who love prog, and are therefore accustomed to long tracks, it's undeniable that the core of the work is "Le venti giornate di Torino," inspired by Giorgio De Maria's novel. Here, it goes beyond everything: a long, dark, at times almost disturbing suite. And knowing that it was born from material tied to an unproduced TV series makes the listen even more fascinating. It's as if you're listening to something that shouldn't have existed... and for that very reason, it's even more powerful. The finale, "Cento campane" and "A blue shadow," (which also reminded me of Lelio Luttazzi's "Hit parade," which was a must-listen to on Fridays after school, along with the inevitable purchases of the hottest 45s), left me with that melancholy, suspended feeling I remembered so well: when an episode ended and you were left there, thinking about it. And then there's the sound: warm, enveloping, alive, slightly "dirty" in just the right way. The choice to use vintage instruments makes a huge difference, and you can hear it in every passage. Another added value is provided by the musicians involved, who enjoy playing with parallel identities (borrowing those of the characters themselves): Agostino Macor (keyboards and orchestration), Fabio Zuffanti (bass), Martin Grice (sax and flute), Andrea Orlando (drums), and Alessandro Corvaglia (keyboards and vocals). These musicians are well-known to those who follow Italian prog, and they once again demonstrate their ability to create atmosphere even before technique. Segreti nel Nero (released by the Genoese label Black Widow) feels like memory transformed into sound. It's one of those works that works even better if you have a connection, even if only emotional, to that imagery. But even without it, it remains a rich, evocative album, crafted down to the smallest detail. And yes, I say it without hesitation: after listening to it, I wanted to turn off the light... and stay there for a while, with that subtle uneasiness within me.

Tracklist:  Albert e l'uomo nero; Gamma; Ritratto di donna velata; Fantastic fly (racconti fantastici); A come Andromeda; La traccia verde; La ballata di Carini; Le venti giornate di Torino (a.introduzione; b.titoli di  testa; c.insonnia collettiva; d.segreti nel nero; e.tema di  clotilde; f.statue in  movimento; g.segreti nel nero (ripresa); h.titoli di coda); Cento campane (Il segno del comando); A blue shadow (Ho incontrato un'ombra)

 

 

Wish - The endless winter

 Wish - The endless winter

(Autoproduzione - 2026)

A sette anni dall’esordio con Stay here my friends, tornano i Wish con un lavoro ambizioso e profondamente sentito: The endless winter. Non è solo un secondo capitolo discografico, ma una vera e propria dichiarazione artistica ed umana, un concept album che affonda le proprie radici nei drammi della guerra e nella disumanizzazione dei conflitti contemporanei. Il titolo è già una chiave di lettura potente: “l’inverno senza fine” come metafora d'un mondo congelato nella violenza, privo di calore, di normalità e purtroppo di futuro. Un’immagine che richiama scenari storici ma che, tragicamente, si riflette nell’attualità. Ed è proprio questa sovrapposizione tra passato e presente a dare al disco una forza narrativa rara. La genesi dell’album risale al 2019, subito dopo l’uscita del debutto. In origine, il progetto nasceva come riflessione sul tradimento dei valori fondamentali della società moderna. Ma gli eventi degli ultimi anni hanno reso quel racconto incredibilmente attuale, trasformandolo in qualcosa di più urgente, doloroso e necessario. Ne emerge un lavoro attraversato da emozioni contrastanti: rabbia, angoscia, delusione, ma anche una sottile e resistente speranza. Dal punto di vista musicale, The endless winter si muove su coordinate progressive solide ma mai autoreferenziali. I Wish evitano gli eccessi barocchi tipici del genere, preferendo una scrittura più asciutta, funzionale al racconto. Le influenze ci sono, senz'altro, ma ben assimilate: la tematica del disco non può prescindere dalla tensione politica e l'intensità emotiva riporta alla mente atmosfere care ai poeti del prog inglese: Peter Gabriel e Peter Hammill. La struttura dell’album – otto tracce, tra cui le mini-suite Comandante Nino e The four rooms – rafforza l’idea di un viaggio unitario. Non una semplice raccolta di brani, ma un percorso narrativo coerente che accompagna l’ascoltatore tra trincee, memorie e frammenti di vite spezzate. Brani come Pointe du hoc, On the trail o This life (per chi scrive la migliore del lavoro), evocano scenari concreti, mentre altri momenti si muovono su un piano più interiore, quasi contemplativo. Particolarmente riuscito è l’equilibrio tra dimensione personale ed universale: le storie raccontate sono intime, ma diventano simbolo di un’esperienza collettiva. La guerra, in questo disco, non è mai retorica né spettacolarizzata; è piuttosto un’esperienza umana ridotta all’essenziale, dove sopravvivere diventa l’unico obiettivo e l’anima un lusso impossibile. La band (Piergiorgio Franceschelli, voce; Massimo Mercurio, batteria; Salvatore Patti, tastiere e cori e Giorgio Simonetti, chitarre, basso e cori), dimostra una maturità compositiva notevole, sostenuta anche da una produzione curata e da contributi esterni ben integrati, come il basso fretless di Graziano Brufani, il flauto di Susanna Felicetti e la fisarmonica di Umberto Ugoberti, che aggiungono profondità timbrica e suggestione. Se il primo album dei Wish ruotava attorno al tema dell’amicizia, The endless winter amplia lo sguardo e affronta questioni ben più ampie ed urgenti. È la conferma di una band che non usa il progressive come semplice esercizio stilistico, ma come linguaggio espressivo per raccontare il presente. Come nel primo album echi dei Genesis, dei Van Der Graaf Generator e dei Gentle Giant fanno capolino qua è la, ma in un panorama spesso ripiegato su formule consolidate, i Wish scelgono la strada più difficile: quella della sostanza. E proprio per questo, The endless winter non è solo un disco da ascoltare, ma da attraversare.

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Tracklist: Pointe du Hoc; Comandante Nino (I. Endless winter II. Never again III. Far from home IV. We are all died); Collapsing; The Four Rooms (I. The cellar II. A thin light III. Battlefield IV. Healing/Resignation); I Watch You From Afar; This Land; On The Trail; This Life

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ENGLISH VERSION 

Seven years after their debut album, Stay Here My Friends, Wish return with an ambitious and deeply felt work: The Endless Winter. It's not just a second album, but a true artistic and human statement, a concept album rooted in the tragedies of war and the dehumanization of contemporary conflicts. The title itself is a powerful key: "the endless winter" as a metaphor for a world frozen in violence, devoid of warmth, normalcy, and, sadly, a future. An image that recalls historical scenarios but is tragically reflected in the present. And it is precisely this overlap between past and present that gives the album its rare narrative strength. The album's genesis dates back to 2019, immediately after the release of their debut. The project originally began as a reflection on the betrayal of the fundamental values ​​of modern society. But the events of recent years have made that story incredibly timely, transforming it into something more urgent, painful, and necessary. The result is a work permeated by contrasting emotions: anger, anguish, disappointment, but also a subtle and resilient hope. Musically, The Endless Winter moves along solid but never self-referential progressive lines. Wish avoid the baroque excesses typical of the genre, preferring a more streamlined style that serves the narrative. The influences are certainly there, but they are well-integrated: the album's themes cannot ignore political tension, and the emotional intensity evokes atmospheres dear to the poets of English prog: Peter Gabriel and Peter Hammill. The album's structure—eight tracks, including the mini-suites "Comandante Nino" and "The Four Rooms"—reinforces the idea of ​​a unified journey. Not a simple collection of songs, but a coherent narrative that leads the listener through trenches, memories, and fragments of shattered lives. Songs like "Pointe du hoc," "On the trail," and "This life" (in this writer's opinion, the best of the album) evoke concrete scenarios, while other moments move on a more interior, almost contemplative level. The balance between the personal and the universal is particularly successful: the stories told are intimate, yet become symbols of a collective experience. War, on this album, is never rhetorical or sensationalized; rather, it is a human experience reduced to the essential, where survival becomes the only goal and the soul an impossible luxury. The band (Piergiorgio Franceschelli, vocals; Massimo Mercurio, drums; Salvatore Patti, keyboards and backing vocals; and Giorgio Simonetti, guitars, bass and backing vocals) demonstrates remarkable compositional maturity, supported by a refined production and well-integrated external contributions, such as Graziano Brufani's fretless bass, Susanna Felicetti's flute, and Umberto Ugoberti's accordion, which add tonal depth and evocative power. While Wish's first album revolved around the theme of friendship, The Endless Winter broadens its scope and tackles much broader and more pressing issues. It confirms a band that doesn't use progressive rock as a simple stylistic exercise, but as an expressive language to describe the present. As on the first album, echoes of Genesis, Van Der Graaf Generator, and Gentle Giant peek out here and there, but in a landscape often bent on consolidated formulas, Wish choose the more difficult path: substance. And precisely for this reason, The Endless Winter is not just an album to listen to, but to experience.

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Tracklist: Pointe du Hoc; Comandante Nino (I. Endless winter II. Never again III. Far from home IV. We are all died); Collapsing; The Four Rooms (I. The cellar II. A thin light III. Battlefield IV. Healing/Resignation); I Watch You From Afar; This Land; On The Trail; This Life