Perla Palmieri - My jazz identity

 Perla Palmieri - My jazz identity

(Notami - 2026)

 

L’esordio di una cantante, specie in ambito jazzistico, è un passo importante, sempre. My Jazz Identity di Perla Palmieri, pubblicato dall'etichetta Notami, mostra una precisa consapevolezza artistica: un lavoro intenso, elegante e profondamente personale, costruito con pazienza attraverso anni di studio, ascolto, ricerca vocale ed esplorazione musicale. Il titolo dell’album non lascia spazio a equivoci. L’identità evocata dalla giovane artista marchigiana non è soltanto una dichiarazione stilistica, ma diventa il cuore stesso del progetto. In questi 57 minuti di musica emerge infatti una forte coerenza espressiva: ogni interpretazione, ogni arrangiamento ed ogni scelta sonora sembrano convergere verso un’unica esigenza, quella di raccontarsi sinceramente attraverso il jazz. Non sorprende quindi che il progetto abbia ottenuto il prestigioso Pathway To Jazz Award 2025, importante riconoscimento americano promosso dall’omonima organizzazione del Colorado, che ne sostiene anche la pubblicazione. Un premio che conferma il valore internazionale di un lavoro capace di unire tradizione jazzistica e sensibilità contemporanea. L’aspetto più interessante del  disco è forse proprio questo equilibrio tra rispetto della tradizione e ricerca personale. Perla Palmieri non si limita ad interpretare il repertorio jazzistico: lo attraversa con una voce riconoscibile, mai manieristica, capace di muoversi con naturalezza tra eleganza tecnica ed intensità emotiva. Emblematico, in questo senso, il remake di Fascinating Rhythm, classico scritto nel 1924 da George Gershwin con testi di Ira Gershwin. La rilettura della Palmieri evita ogni esercizio nostalgico e restituisce invece freschezza al brano, grazie ad un’interpretazione misurata ma ricca di personalità. La cantante lascia inoltre spazio ai musicisti che la accompagnano, creando un dialogo autentico che evidenzia la sintonia maturata durante il lavoro in studio. Al Miriam Recording Studio di Roma, dove l’album ha preso forma, insieme a Perla Palmieri, troviamo infatti lo special gusti assoluto valore Max Ionata al sax tenore, Simone Bortolani alla chitarra, Giuseppe Dato al pianoforte, Alberto Zuanon al contrabbasso e Max Verrillo alla batteria: un ensemble compatto e sensibile, capace di sostenere con equilibrio tanto i momenti più intimi quanto quelli maggiormente dinamici. Tra i brani più significativi emerge sicuramente Maiolica, composizione originale che rappresenta forse il punto più personale dell’intero disco. Qui la scrittura della Palmieri riesce a trasformare immagini, appartenenza territoriale ed emozioni in una narrazione musicale intensa e cinematografica. Il titolo richiama immediatamente la tradizione artigianale marchigiana e sembra quasi suggerire un parallelismo tra il lavoro dell’artigiano e quello del musicista: entrambi modellano materia grezza trasformandola in espressione identitaria. Molto interessante anche il brano E’ per te, disponibile anche come video (https://www.youtube.com/watch?v=84bdKGqxnlQ&list=RD84bdKGqxnlQ&start_radio=1), e la rilettura del brano di Chick Corea 500 miles high. Ed è proprio il concetto di identità a diventare il filo conduttore dell’intero album. Non come semplice autoaffermazione, ma come ricerca di autenticità. In questo senso il jazz di Perla Palmieri appare profondamente vissuto, quasi necessario. Una musica che non punta all’effetto immediato, ma che conquista progressivamente grazie alla cura degli arrangiamenti, alla qualità interpretativa e alla sincerità emotiva che attraversa tutto il progetto. Dopo i riconoscimenti ottenuti negli ultimi anni — dal Premio del Pubblico al Premio Internazionale Massimo Urbani 2023 fino al Premio del Pubblico al Premio Nazionale Chicco Bettinardi — My Jazz Identity sembra rappresentare per Perla Palmieri non un punto di arrivo, ma soprattutto l’inizio di un percorso artistico già sorprendentemente maturo e riconoscibile.

Tracklist: Pure imagination; Fascinating rhythm: My Camellia; 500 miles high; Maiolica; E' per te; Daahoud; La terra mia; Yatra-tà; Choro pro Zé

 

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A singer's debut, especially in the jazz field, is always an important step. Perla Palmieri's My Jazz Identity, published by the Notami label, demonstrates a precise artistic awareness: an intense, elegant, and deeply personal work, patiently constructed through years of study, listening, vocal research, and musical exploration. The album's title leaves no room for ambiguity. The identity evoked by the young artist from the Marche region is not merely a stylistic statement, but becomes the very heart of the project. Indeed, throughout these 57 minutes of music, a strong expressive coherence emerges: every interpretation, every arrangement, and every sonic choice seem to converge toward a single purpose: to sincerely express oneself through jazz. It's therefore not surprising that the project has won the prestigious Pathway To Jazz Award 2025, an important American recognition promoted by the Colorado-based organization of the same name, which also supports its release. This award confirms the international standing of a work capable of uniting jazz tradition and contemporary sensibility. The most interesting aspect of the album is perhaps precisely this balance between respect for tradition and personal exploration. Perla Palmieri doesn't limit herself to interpreting the jazz repertoire: she traverses it with a distinctive, never mannered voice, capable of moving effortlessly between technical elegance and emotional intensity. Her remake of Fascinating Rhythm, a classic written in 1924 by George Gershwin with lyrics by Ira Gershwin, is emblematic of this. Palmieri's reinterpretation avoids any nostalgic exercise and instead restores the piece's freshness, thanks to a measured yet personality-rich interpretation. The singer also gives space to the musicians accompanying her, creating an authentic dialogue that highlights the harmony developed during studio work. At Miriam Recording Studio, where the album took shape, alongside Perla Palmieri, we find the special gusti assoluto valore: Max Ionata on tenor sax, Simone Bortolani on guitar, Giuseppe Dato on piano, Alberto Zuanon on double bass, and Max Verrillo on drums: a compact and sensitive ensemble, capable of sustaining both the most intimate and the most dynamic moments with balance. Among the most significant tracks, Maiolica certainly stands out, an original composition that represents perhaps the most personal point of the entire album. Here, Palmieri's writing manages to transform images, territorial belonging, and emotions into an intense and cinematic musical narrative. The title immediately recalls the Marche artisan tradition and almost seems to suggest a parallel between the work of the artisan and that of the musician: both shape raw material, transforming it into an expression of identity. Also very interesting is the song "E' per te," also available as a video (https://www.youtube.com/watch?v=84bdKGqxnlQ&list=RD84bdKGqxnlQ&start_radio=1), and the reinterpretation of Chick Corea's song "500 miles high." And it is precisely the concept of identity that becomes the leitmotif of the entire album. Not as simple self-affirmation, but as a search for authenticity. In this sense, Perla Palmieri's jazz appears deeply experienced, almost necessary. Her music doesn't aim for immediate impact, but gradually wins over thanks to the careful arrangements, the interpretive quality, and the emotional sincerity that runs through the entire project. After the accolades received in recent years—from the Audience Award at the 2023 Massimo Urbani International Prize to the Audience Award at the Chicco Bettinardi National Prize—My Jazz Identity seems to represent for Perla Palmieri not a point of arrival, but above all the beginning of an already surprisingly mature and recognizable artistic journey. 

 

Tracklist: Pure imagination; Fascinating rhythm: My Camellia; 500 miles high; Maiolica; E' per te; Daahoud; La terra mia; Yatra-tà; Choro pro Zé

 

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Pierfrancesco Ceregioli & Chamber Jazz Orchestra - Live in Barcelona

Pierfrancesco Ceregioli & Chamber Jazz Orchestra 

Live in Barcelona

(Notami - 2026)

 

Alcuni dischi dal vivo si limitano a documentare un concerto mentre altri riescono invece a trasformare un’esibizione in un racconto sonoro coerente, cinematografico, quasi narrativo. Live in Barcelona, pubblicato nel mese di febbraio dall'etichetta Notami, della Pierfrancesco Ceregioli Chamber Jazz Orchestra appartiene senz’altro alla seconda categoria. L’ensemble ideato e diretto dal musicista marchigiano nasce come un vero laboratorio espressivo in cui jazz, latin jazz, musica da camera e suggestioni cinematografiche convivono assieme senza forzature. Non si tratta soltanto di contaminazione stilistica: la scrittura di Ceregioli costruisce piuttosto un linguaggio personale, dove la dimensione orchestrale dialoga di continuo con l’improvvisazione e con una forte ricerca timbrica. Fin dai primi passaggi emerge una cifra compositiva raffinata, capace di alternare momenti di grande delicatezza cameristica ad improvvise aperture ritmiche e dinamiche. Il jazz resta il centro gravitazionale del progetto, ma attorno ad esso orbitano colori mediterranei, influssi iberici, armonie dal respiro cinematografico ed una sensibilità narrativa che richiama spesso il mondo delle colonne sonore. La formazione della Chamber Jazz Orchestra permette a Ceregioli di lavorare in profondità sugli arrangiamenti, cesellando dettagli, contrasti e sfumature con notevole eleganza. Il risultato è un suono che riesce contemporaneamente ad essere intimo ed espansivo: da una parte la cura quasi artigianale del dettaglio, dall’altra un’apertura emotiva ampia, visiva, evocativa. Dentro questa musica si percepisce anche il profilo umano ed artistico del compositore. I riferimenti alla natura, ai fiori, al viaggio ed all’incontro tra culture differenti non sono semplici suggestioni teoriche, ma diventano materia sonora concreta. Ogni brano pare nascere da un’esperienza, da un paesaggio o da una memoria trasformata in musica. Ed è qui che Live in Barcelona trova la sua identità più autentica: nella capacità di trasformare influenze molto diverse in un discorso unitario e riconoscibile. Classe 1993, nato a Macerata, Ceregioli porta nel progetto un percorso formativo particolarmente ricco e trasversale. Dal jazz alla musica elettronica, fino al sound design, la sua esperienza accademica e concertistica contribuisce a definire una visione moderna dell’orchestra jazz contemporanea. Gli studi al Conservatorio “G.Rossini” di Pesaro, l’esperienza Erasmus al Conservatorio Superior de Música de Valencia e le numerose collaborazioni internazionali emergono chiaramente nell’ampiezza del suo linguaggio musicale. Non meno importante è l’aspetto emotivo della performance live. L’energia del concerto non sacrifica mai la precisione della scrittura, mentre l’orchestra mantiene costantemente un equilibrio convincente tra disciplina cameristica e libertà improvvisativa. Questo rende l’ascolto fluido, dinamico e mai prevedibile. Live in Barcelona conferma così il talento di Pierfrancesco Ceregioli come compositore ed arrangiatore capace di costruire ponti tra mondi differenti: jazz contemporaneo, musica orchestrale, elettronica e immaginario cinematografico convivono in una proposta personale e fortemente evocativa. Un lavoro che non cerca effetti immediati, ma che conquista progressivamente grazie alla qualità della scrittura, alla profondità delle atmosfere e ad una visione artistica già sorprendentemente matura. 

Tracklist: Petali di primavera; Magic bricks fantasy; Game toon parade (Medley of Sailor moon. GTA San Andreas & Lupin III); Burattino ballerino; Si us plas 

 

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ENGLISH VERSION 

 

Some live recordings simply document a concert, while others manage to transform a performance into a coherent, cinematic, almost narrative soundscape. Live in Barcelona, released in February by the Notami label, by the Pierfrancesco Ceregioli Chamber Jazz Orchestra certainly belongs to the latter category. The ensemble conceived and directed by the musician from the Marche region was born as a true expressive laboratory in which jazz, Latin jazz, chamber music, and cinematic influences coexist without constraint. It's not just a matter of stylistic contamination: Ceregioli's writing constructs a personal language, where the orchestral dimension constantly engages with improvisation and a strong exploration of timbre. From the very first passages, a refined compositional style emerges, capable of alternating moments of great chamber-music delicacy with sudden rhythmic and dynamic openings. Jazz remains the project's gravitational center, but around it orbit Mediterranean colors, Iberian influences, cinematic harmonies, and a narrative sensibility that often recalls the world of soundtracks. The Chamber Jazz Orchestra's formation allows Ceregioli to work in depth on the arrangements, crafting details, contrasts, and nuances with remarkable elegance. The result is a sound that manages to be simultaneously intimate and expansive: on the one hand, an almost artisanal attention to detail, on the other, a broad, visual, and evocative emotional openness. The composer's human and artistic profile is also perceptible within this music. The references to nature, flowers, travel, and the encounter between different cultures are not simply theoretical suggestions, but become concrete sonic material. Each piece seems to arise from an experience, a landscape, or a memory transformed into music. And it is here that Live in Barcelona finds its most authentic identity: in the ability to transform very different influences into a unified and recognizable discourse. Born in Macerata in 1993, Ceregioli brings a particularly rich and diverse educational background to the project. From jazz to electronic music to sound design, his academic and concert experience contributes to defining a modern vision of the contemporary jazz orchestra. His studies at the "G. Rossini" Conservatory in Pesaro, his Erasmus experience at the Conservatorio Superior de Música de Valencia, and numerous international collaborations clearly emerge in the breadth of his musical language. Equally important is the emotional aspect of the live performance. The concert's energy never sacrifices the precision of the writing, while the orchestra consistently maintains a compelling balance between chamber music discipline and improvisational freedom. This makes for a fluid, dynamic, and unpredictable listening experience. Live in Barcelona thus confirms Pierfrancesco Ceregioli's talent as a composer and arranger capable of building bridges between different worlds: contemporary jazz, orchestral music, electronic music, and cinematic imagery coexist in a personal and highly evocative offering. A work that doesn't seek immediate effects, but gradually conquers thanks to the quality of the writing, the depth of the atmosphere, and an already surprisingly mature artistic vision.

Tracklist: Petali di primavera; Magic bricks fantasy; Game toon parade (Medley of Sailor moon. GTA San Andreas & Lupin III); Burattino ballerino; Si us plas

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L'Ombra della Sera - Segreti nel nero

 L'Ombra della Sera - Segreti nel nero

 (Black Widow - 2026)

Ascoltando Segreti nel nero mi è tornata addosso quella sensazione strana che provavo da bambino davanti agli sceneggiati della RAI. Quelle immagini in bianco e nero, lente, quasi ipnotiche, e soprattutto quella musica che ti restava dentro, spesso più delle storie stesse. Serie come Il segno del comando o Ritratto di donna velata non erano solo televisione: erano atmosfera pura, mistero che si insinuava piano. Ecco perché questo nuovo de L’Ombra della Sera – che poi altro non è che la “versione parallela” de La Maschera di Cera – (e che arriva dopo il debutto omonimo del 2012), non si limita a rifare quelle sigle: le ricrea, le espande, le vive. Ed è netta la sensazione: dietro c’è passione vera, memoria personale. Già dall’inizio, con Albert e l’uomo nero e Gamma (dell'indimenticato Maestro Enrico Simonetti, padre del fondatore dei Goblin Claudio), mi sono ritrovato subito dentro quel mondo: synth vintage, suoni sospesi, quella sensazione sottile che “qualcosa non va” (spesso guardavo la tv con un occhio chiuso ed uno aperto durante queste trasmissioni). Ed è un viaggio più che un ascolto. Quando parte Ritratto di donna velata sento ancora la pelle d’oca: gli arrangiamenti sono ricchissimi, quasi cinematografici, e sembra di rivedere quelle immagini lente ed inquietanti. A come Andromeda mantiene quel fascino fantascientifico un po’ rétro, ma lo amplia in chiave prog, mentre La traccia verde è tensione pura, costruita con grande intelligenza. Poi arrivano anche le sorprese come in : Fantastic fly, dall'inaspettato tocco funky / psichedelico che però funziona benissimo, e La ballata di Carini è più narrativa, quasi teatrale. Per chi ama il prog, ed è avvezzo dunque alla lunga durata dei brani, è innegabile che il fulcro centrale del lavoro sia Le venti giornate di Torino, ispirata al romanzo di Giorgio De Maria. Qui si va oltre tutto: una suite lunga, oscura, a tratti quasi disturbante. E sapere che nasce da materiale legato ad uno sceneggiato mai realizzato rende l’ascolto ancora più affascinante. È come se si stesse ascoltando qualcosa che non avrebbe dovuto esistere… e proprio per questo è ancora più potente. Il finale con Cento campane e A blue shadow (che mi fatto tornare alla mente anche la Hit parade di Lelio Luttazzi, che era d'obbligo ascoltare il venerdì al ritorno da scuola con immancabili acquisti dei 45 giri di grido), mi ha lasciato addosso quella sensazione malinconica e sospesa che ricordavo bene: quando finiva una puntata e restavi lì, a pensarci. E poi c’è il suono; caldo, avvolgente, vivo, leggermente “sporco” nel modo giusto. La scelta di usare strumentazione vintage fa una differenza enorme, e si sente in ogni passaggio. Un altro valore aggiunto è dato dai musicisti coinvolti, che si divertono a giocare con identità parallele (prendendo in prestito quelle degli sceneggiati stessi): Agostino Macor (tastiere ed orchestrazioni), Fabio Zuffanti (basso), Martin Grice (sax e flauto), Andrea Orlando (batteria) ed Alessandro Corvaglia (tastiere e voce). Musicisti che chi segue il prog italiano conosce bene, e che dimostrano ancora una volta la capacità di creare atmosfera prima ancora che tecnica. Segreti nel Nero (pubblicato dall'etichetta genovese Black Widow), appare come memoria trasformata in suono. È uno di quei lavori che funzionano ancora di più se hai un legame, anche solo emotivo, con quell’immaginario. Ma anche senza, resta un album ricco, evocativo, curato nei minimi dettagli. E sì, lo dico senza problemi: dopo averlo ascoltato, mi è venuta voglia di spegnere la luce… e restare un po’ lì, con quella sottile inquietudine addosso.

Tracklist:  Albert e l'uomo nero; Gamma; Ritratto di donna velata; Fantastic fly (racconti fantastici); A come Andromeda; La traccia verde; La ballata di Carini; Le venti giornate di Torino (a.introduzione; b.titoli di  testa; c.insonnia collettiva; d.segreti nel nero; e.tema di  clotilde; f.statue in  movimento; g.segreti nel nero (ripresa); h.titoli di coda); Cento campane (Il segno del comando); A blue shadow (Ho incontrato un'ombra)

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ENGLISH VERSION 

Listening to "Segreti nel nero" brought back that strange feeling I had as a child watching RAI dramas. Those slow, almost hypnotic black-and-white images, and above all that music that stuck with you, often more than the stories themselves. Series like "Il segno del comando" or "Portrait of a Veiled Woman" weren't just television: they were pure atmosphere, a mystery that slowly crept in. That's why this new installment of "L'Ombra della Sera"— which is nothing other than the "parallel version" of "La Maschera di Cera"— (and which comes after the 2012 debut of the same name), doesn't simply remake those theme songs: it recreates them, expands them, brings them to life. And the feeling is clear: behind them lies true passion, personal memory. From the very beginning, with "Albert e l'uomo nero" and "Gamma" (by the unforgettable Maestro Enrico Simonetti, father of Goblin founder Claudio), I immediately found myself immersed in that world: vintage synths, suspended sounds, that subtle feeling that "something's wrong" (I often watched TV with one eye closed and the other open during these programs). And it's a journey more than a simple listening experience. When "ritratto di donna velata" starts, I still get goosebumps: the arrangements are so rich, almost cinematic, and it feels like I'm seeing those slow, disturbing images again. "A come Andromeda" maintains that slightly retro sci-fi charm, but expands it with a prog twist, while "La traccia verde" is pure tension, constructed with great intelligence. Then come the surprises, like "Fantastic fly," with an unexpected funky/psychedelic touch that works very well, and "La ballata di Carini," which is more narrative, almost theatrical. For those who love prog, and are therefore accustomed to long tracks, it's undeniable that the core of the work is "Le venti giornate di Torino," inspired by Giorgio De Maria's novel. Here, it goes beyond everything: a long, dark, at times almost disturbing suite. And knowing that it was born from material tied to an unproduced TV series makes the listen even more fascinating. It's as if you're listening to something that shouldn't have existed... and for that very reason, it's even more powerful. The finale, "Cento campane" and "A blue shadow," (which also reminded me of Lelio Luttazzi's "Hit parade," which was a must-listen to on Fridays after school, along with the inevitable purchases of the hottest 45s), left me with that melancholy, suspended feeling I remembered so well: when an episode ended and you were left there, thinking about it. And then there's the sound: warm, enveloping, alive, slightly "dirty" in just the right way. The choice to use vintage instruments makes a huge difference, and you can hear it in every passage. Another added value is provided by the musicians involved, who enjoy playing with parallel identities (borrowing those of the characters themselves): Agostino Macor (keyboards and orchestration), Fabio Zuffanti (bass), Martin Grice (sax and flute), Andrea Orlando (drums), and Alessandro Corvaglia (keyboards and vocals). These musicians are well-known to those who follow Italian prog, and they once again demonstrate their ability to create atmosphere even before technique. Segreti nel Nero (released by the Genoese label Black Widow) feels like memory transformed into sound. It's one of those works that works even better if you have a connection, even if only emotional, to that imagery. But even without it, it remains a rich, evocative album, crafted down to the smallest detail. And yes, I say it without hesitation: after listening to it, I wanted to turn off the light... and stay there for a while, with that subtle uneasiness within me.

Tracklist:  Albert e l'uomo nero; Gamma; Ritratto di donna velata; Fantastic fly (racconti fantastici); A come Andromeda; La traccia verde; La ballata di Carini; Le venti giornate di Torino (a.introduzione; b.titoli di  testa; c.insonnia collettiva; d.segreti nel nero; e.tema di  clotilde; f.statue in  movimento; g.segreti nel nero (ripresa); h.titoli di coda); Cento campane (Il segno del comando); A blue shadow (Ho incontrato un'ombra)

 

 

Wish - The endless winter

 Wish - The endless winter

(Autoproduzione - 2026)

A sette anni dall’esordio con Stay here my friends, tornano i Wish con un lavoro ambizioso e profondamente sentito: The endless winter. Non è solo un secondo capitolo discografico, ma una vera e propria dichiarazione artistica ed umana, un concept album che affonda le proprie radici nei drammi della guerra e nella disumanizzazione dei conflitti contemporanei. Il titolo è già una chiave di lettura potente: “l’inverno senza fine” come metafora d'un mondo congelato nella violenza, privo di calore, di normalità e purtroppo di futuro. Un’immagine che richiama scenari storici ma che, tragicamente, si riflette nell’attualità. Ed è proprio questa sovrapposizione tra passato e presente a dare al disco una forza narrativa rara. La genesi dell’album risale al 2019, subito dopo l’uscita del debutto. In origine, il progetto nasceva come riflessione sul tradimento dei valori fondamentali della società moderna. Ma gli eventi degli ultimi anni hanno reso quel racconto incredibilmente attuale, trasformandolo in qualcosa di più urgente, doloroso e necessario. Ne emerge un lavoro attraversato da emozioni contrastanti: rabbia, angoscia, delusione, ma anche una sottile e resistente speranza. Dal punto di vista musicale, The endless winter si muove su coordinate progressive solide ma mai autoreferenziali. I Wish evitano gli eccessi barocchi tipici del genere, preferendo una scrittura più asciutta, funzionale al racconto. Le influenze ci sono, senz'altro, ma ben assimilate: la tematica del disco non può prescindere dalla tensione politica e l'intensità emotiva riporta alla mente atmosfere care ai poeti del prog inglese: Peter Gabriel e Peter Hammill. La struttura dell’album – otto tracce, tra cui le mini-suite Comandante Nino e The four rooms – rafforza l’idea di un viaggio unitario. Non una semplice raccolta di brani, ma un percorso narrativo coerente che accompagna l’ascoltatore tra trincee, memorie e frammenti di vite spezzate. Brani come Pointe du hoc, On the trail o This life (per chi scrive la migliore del lavoro), evocano scenari concreti, mentre altri momenti si muovono su un piano più interiore, quasi contemplativo. Particolarmente riuscito è l’equilibrio tra dimensione personale ed universale: le storie raccontate sono intime, ma diventano simbolo di un’esperienza collettiva. La guerra, in questo disco, non è mai retorica né spettacolarizzata; è piuttosto un’esperienza umana ridotta all’essenziale, dove sopravvivere diventa l’unico obiettivo e l’anima un lusso impossibile. La band (Piergiorgio Franceschelli, voce; Massimo Mercurio, batteria; Salvatore Patti, tastiere e cori e Giorgio Simonetti, chitarre, basso e cori), dimostra una maturità compositiva notevole, sostenuta anche da una produzione curata e da contributi esterni ben integrati, come il basso fretless di Graziano Brufani, il flauto di Susanna Felicetti e la fisarmonica di Umberto Ugoberti, che aggiungono profondità timbrica e suggestione. Se il primo album dei Wish ruotava attorno al tema dell’amicizia, The endless winter amplia lo sguardo e affronta questioni ben più ampie ed urgenti. È la conferma di una band che non usa il progressive come semplice esercizio stilistico, ma come linguaggio espressivo per raccontare il presente. Come nel primo album echi dei Genesis, dei Van Der Graaf Generator e dei Gentle Giant fanno capolino qua è la, ma in un panorama spesso ripiegato su formule consolidate, i Wish scelgono la strada più difficile: quella della sostanza. E proprio per questo, The endless winter non è solo un disco da ascoltare, ma da attraversare.

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Tracklist: Pointe du Hoc; Comandante Nino (I. Endless winter II. Never again III. Far from home IV. We are all died); Collapsing; The Four Rooms (I. The cellar II. A thin light III. Battlefield IV. Healing/Resignation); I Watch You From Afar; This Land; On The Trail; This Life

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ENGLISH VERSION 

Seven years after their debut album, Stay Here My Friends, Wish return with an ambitious and deeply felt work: The Endless Winter. It's not just a second album, but a true artistic and human statement, a concept album rooted in the tragedies of war and the dehumanization of contemporary conflicts. The title itself is a powerful key: "the endless winter" as a metaphor for a world frozen in violence, devoid of warmth, normalcy, and, sadly, a future. An image that recalls historical scenarios but is tragically reflected in the present. And it is precisely this overlap between past and present that gives the album its rare narrative strength. The album's genesis dates back to 2019, immediately after the release of their debut. The project originally began as a reflection on the betrayal of the fundamental values ​​of modern society. But the events of recent years have made that story incredibly timely, transforming it into something more urgent, painful, and necessary. The result is a work permeated by contrasting emotions: anger, anguish, disappointment, but also a subtle and resilient hope. Musically, The Endless Winter moves along solid but never self-referential progressive lines. Wish avoid the baroque excesses typical of the genre, preferring a more streamlined style that serves the narrative. The influences are certainly there, but they are well-integrated: the album's themes cannot ignore political tension, and the emotional intensity evokes atmospheres dear to the poets of English prog: Peter Gabriel and Peter Hammill. The album's structure—eight tracks, including the mini-suites "Comandante Nino" and "The Four Rooms"—reinforces the idea of ​​a unified journey. Not a simple collection of songs, but a coherent narrative that leads the listener through trenches, memories, and fragments of shattered lives. Songs like "Pointe du hoc," "On the trail," and "This life" (in this writer's opinion, the best of the album) evoke concrete scenarios, while other moments move on a more interior, almost contemplative level. The balance between the personal and the universal is particularly successful: the stories told are intimate, yet become symbols of a collective experience. War, on this album, is never rhetorical or sensationalized; rather, it is a human experience reduced to the essential, where survival becomes the only goal and the soul an impossible luxury. The band (Piergiorgio Franceschelli, vocals; Massimo Mercurio, drums; Salvatore Patti, keyboards and backing vocals; and Giorgio Simonetti, guitars, bass and backing vocals) demonstrates remarkable compositional maturity, supported by a refined production and well-integrated external contributions, such as Graziano Brufani's fretless bass, Susanna Felicetti's flute, and Umberto Ugoberti's accordion, which add tonal depth and evocative power. While Wish's first album revolved around the theme of friendship, The Endless Winter broadens its scope and tackles much broader and more pressing issues. It confirms a band that doesn't use progressive rock as a simple stylistic exercise, but as an expressive language to describe the present. As on the first album, echoes of Genesis, Van Der Graaf Generator, and Gentle Giant peek out here and there, but in a landscape often bent on consolidated formulas, Wish choose the more difficult path: substance. And precisely for this reason, The Endless Winter is not just an album to listen to, but to experience.

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Tracklist: Pointe du Hoc; Comandante Nino (I. Endless winter II. Never again III. Far from home IV. We are all died); Collapsing; The Four Rooms (I. The cellar II. A thin light III. Battlefield IV. Healing/Resignation); I Watch You From Afar; This Land; On The Trail; This Life

 

 

Simone Basile - Perspectives

 Simone Basile - Perspectives

 (Encore MusicLabel - 2026)

C’è un momento preciso, in ogni percorso artistico, in cui la ricerca smette di essere promessa e diventa linguaggio. Perspectives, il nuovo lavoro del chitarrista pugliese Simone Basile, sembra collocarsi esattamente in questo punto: un disco che non cerca di stupire, ma di affermare una visione ormai definita, matura, profondamente consapevole. Registrato al Bunker Studio di New York – luogo carico di suggestioni e memoria musicale – l’album vede Basile affiancato da due musicisti di grande spessore: Antonio Cerfeda alla batteria e soprattutto John Patitucci al basso, presenza che da sola basterebbe a collocare il progetto in un orizzonte internazionale. Il riferimento evocato dallo stesso Patitucci a lavori storici come Bright Size Life di Pat Metheny non è casuale: qui si respira un jazz lirico, essenziale, costruito sull’interplay più che sull’esibizione tecnica. Fin dalle prime battute di Back home, si percepisce una scrittura che privilegia la narrazione. Basile non sovraccarica mai il discorso musicale: lascia spazio, costruisce atmosfere, lavora per sottrazione. Bouncin’ introduce invece una dinamica più mobile, quasi giocosa, mentre Federica si sviluppa su un registro più intimo e cantabile, dove la chitarra assume un ruolo quasi vocale. Uno degli elementi più interessanti del disco è la gestione dei contrasti. Brani come Is that real? e Yin and Yang mettono in luce la capacità del trio di muoversi tra tensione e rilascio, tra struttura e libertà. Non c’è mai compiacimento: anche nei passaggi più articolati, il virtuosismo resta sempre subordinato all’idea musicale. La title track Perspectives rappresenta forse il cuore concettuale dell’album: un equilibrio delicato tra linee melodiche e spazi sospesi, dove ogni intervento strumentale sembra nascere da un ascolto reciproco profondo. In questo senso, il contributo di Patitucci è determinante: il suo basso non è mai semplice accompagnamento, ma una voce autonoma che dialoga costantemente con la chitarra. Interessanti anche i momenti più brevi e apparentemente marginali, come Ti pi wa e To Johnny, che funzionano quasi da interludi, spezzando la linearità e offrendo nuove prospettive – coerentemente con il titolo del lavoro. Dal punto di vista sonoro, la registrazione curata da John Davis restituisce un suono limpido, arioso, in cui ogni dettaglio trova il proprio spazio. Il mixaggio mantiene questa trasparenza, valorizzando la dimensione acustica e l’equilibrio del trio. Perspectives è un disco che non impone, ma suggerisce. Non cerca risposte definitive, ma invita a d un ascolto attento, alla scoperta graduale. Simone Basile si conferma così una delle voci più interessanti della nuova scena jazz italiana, capace di dialogare con la tradizione internazionale senza perdere la propria identità. Un lavoro solido, elegante e sincero, che trova proprio nella misura e nell’ascolto la sua cifra più autentica.

Ascolta Perspectives su Spotify 

Tracklist: Back home; Bouncin'; Federica; Ti pi wa; Is that real?; Yin and yang: Perspectives; To Johnny  

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 ENGLISH VERSION  

There's a precise moment in every artistic journey when research ceases to be a promise and becomes language. Perspectives, the new album by Apulian guitarist Simone Basile, seems to fit precisely into this juncture: an album that seeks not to shock, but to affirm a now defined, mature, and profoundly informed vision. Recorded at Bunker Studio in New York—a place steeped in musical inspiration and memory—the album sees Basile joined by two musicians of great depth: Antonio Cerfeda on drums and, most importantly, John Patitucci on bass, a presence that alone would be enough to place the project on an international horizon. The reference evoked by Patitucci himself to landmark works like Pat Metheny's Bright Size Life is no coincidence: here, the atmosphere is lyrical, essential jazz, built on interplay rather than technical display. From the opening bars of "Back Home," one senses a writing that prioritizes narrative. Basile never overloads the musical discourse: he leaves space, constructs atmospheres, and works by subtraction. "Bouncin'" introduces a more mobile, almost playful dynamic, while "Federica" ​​develops into a more intimate and singable register, where the guitar takes on an almost vocal role. One of the most interesting elements of the album is the management of contrasts. Tracks like "Is That Real?" and "Yin and Yang" highlight the trio's ability to navigate tension and release, structure and freedom. There's never any complacency: even in the most complex passages, virtuosity always remains subordinate to the musical idea. The title track, "Perspectives," perhaps represents the album's conceptual heart: a delicate balance between melodic lines and suspended spaces, where every instrumental intervention seems to arise from a profound mutual listening. In this sense, Patitucci's contribution is crucial: his bass is never a simple accompaniment, but an autonomous voice that constantly dialogues with the guitar. Even the briefer and seemingly marginal moments are interesting, like "Ti Pi Wa" and "To Johnny," which function almost as interludes, breaking the linearity and offering new perspectives—consistent with the album's title. Sonically, John Davis's recording delivers a clear, airy sound, in which every detail finds its space. The mix maintains this transparency, enhancing the trio's acoustic dimension and balance. Perspectives is an album that doesn't impose, but suggests. It doesn't seek definitive answers, but invites attentive listening, gradual discovery. Simone Basile thus confirms himself as one of the most interesting voices on the new Italian jazz scene, capable of engaging with international tradition without losing his own identity. A solid, elegant, and sincere work, whose most authentic essence lies precisely in restraint and listening.

Listen Perspectives on Spotify

Tracklist: Back home; Bouncin'; Federica; Ti pi wa; Is that real?; Yin and yang: Perspectives; To Johnny  

 

 

Hunka Munka - Demoni e dei

 Hunka Munka - Demoni e dei

 (M.P. Records - 2026)

 

A cinque anni dal precedente Foreste Interstellari tornano gli Hunka Munka, progetto guidato da Roberto Carlotto che nel tempo è diventato sempre più una vera band grazie alla presenza stabile del tastierista e produttore Joey Mauro. Il nuovo album si intitola Demoni e Dei e sviluppa un tema universale: l’eterna contrapposizione tra luce e oscurità, bene e male, con una narrazione musicale che alterna momenti riflessivi ad altri decisamente più energici. Il disco rappresenta anche una sorta di ponte tra passato e presente nella lunga carriera di Carlotto, musicista attivo fin dalla fine degli anni Sessanta. Dopo gli inizi con gruppi come Big 66 e Cuccioli e la collaborazione con Ivan Graziani negli Anonima Sound Ltd., nel 1972 pubblicò il suo primo album solista Dedicato a Giovanna G., disco rimasto nella memoria anche per la particolare confezione dell’LP a forma di WC. Successivamente Carlotto entrò nei Dik Dik come tastierista, rimanendo nella storica formazione dal 1974 al 1977. Non a caso Demoni e Dei recupera alcuni brani di quel periodo, riproposti oggi con arrangiamenti più robusti e attuali. Il disco si apre con Addio dolce Edel, breve introduzione atmosferica che prepara l’ascoltatore al viaggio musicale dell’album. Subito dopo arriva Ossessioni, uno dei brani provenienti dal periodo Dik Dik, qui riproposto con un sound più deciso, dove le tastiere di Mauro e le chitarre di Gianluca Quinto creano una tensione rock molto efficace. Cavalli alati, impreziosita dall’assolo di Andrea Rinaldi, rappresenta uno dei momenti più dinamici del disco, con una struttura che richiama il prog melodico ma con una spinta decisamente hard rock. Il clima cambia con Justine, breve intermezzo che funge quasi da passaggio narrativo tra i brani più strutturati. Con L’aeroplano d’argento si torna direttamente al repertorio storico di Carlotto: il brano mantiene il fascino dell’originale ma viene arricchito da un arrangiamento più moderno e potente. Ancora più suggestiva è Cattedrali di bambù, uno dei momenti più atmosferici dell’album, dove le tastiere costruiscono un paesaggio sonoro quasi cinematografico. Nati sotto una stella solitaria è un altro breve episodio che prepara l’ingresso di La vendetta degli dei, brano che rappresenta uno dei vertici del disco per intensità e costruzione musicale. Qui emerge con forza la direzione artistica di Joey Mauro, capacedi fondere tastiere progressive e impatto rock. Con E lo chiami vivere il disco torna su territori più melodici, mentre Una tranquillità apparente – Il comico triste sviluppa un’atmosfera sospesa e teatrale che arricchisce ulteriormente la varietà dell’album. Il momento centrale del lavoro arriva con Demoni, il brano più lungo della tracklist: oltre sette minuti in cui gli Hunka Munka sviluppano pienamente la loro idea di hard-prog melodico, alternando passaggi più intensi a sezioni di grande respiro musicale. La chiusura è affidata a Danza Macabra, che conclude il disco con un’atmosfera quasi rituale, coerente con il tema portante dell’album. Demoni e Dei è un disco che unisce memoria storica e nuova energia, riportando alla luce alcuni brani del passato di Roberto Carlotto e inserendoli in un contesto sonoro moderno. Un lavoro ricco di atmosfere e di riferimenti al rock progressivo melodico, che conferma la vitalità degli Hunka Munka e la solidità della collaborazione tra Carlotto e Joey Mauro.  

 

Tracklist: Addio dolce Edel; Ossessioni; Cavali alati; Justine; L'aeroplano d'argento; Cattedrali di bambù; Nati sotto una stella solitaria; La vendetta degli dei; E lo chiami vevere; Una tranquillità apparente / Il comico triste; Demoni; Danza macabra

 

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ENGLISH VERSION 

 

Five years after their previous album, Foreste Interstellari, Hunka Munka returns, a project led by Roberto Carlotto that has increasingly become a full-fledged band thanks to the stable presence of keyboardist and producer Joey Mauro. The new album is titled Demoni e Dei (Demons and Gods) and explores a universal theme: the eternal contrast between light and darkness, good and evil, with a musical narrative that alternates reflective moments with decidedly more energetic ones. The album also represents a sort of bridge between past and present in the long career of Carlotto, a musician active since the late 1960s. After starting out with groups like Big 66 and Cuccioli and collaborating with Ivan Graziani in Anonima Sound Ltd., in 1972 he released his first solo album, Dedicato a Giovanna G., an album that has remained in memory also for its unique toilet-shaped LP packaging. Carlotto later joined Dik Dik as keyboardist, remaining with the historic band from 1974 to 1977. It's no coincidence that Demoni e Dei revives some songs from that period, reinterpreting them today with more robust and contemporary arrangements. The album opens with Addio dolce Edel, a brief, atmospheric introduction that prepares the listener for the album's musical journey. Immediately after, "Ossessioni" arrives, one of the songs from the Dik Dik period, presented here with a more assertive sound, where Mauro's keyboards and Gianluca Quinto's guitars create a very effective rock tension. "Cavalli alati," enhanced by Andrea Rinaldi's solo, represents one of the album's most dynamic moments, with a structure reminiscent of melodic prog but with a decidedly hard rock edge. The mood changes with "Justine," a brief interlude that almost acts as a narrative transition between the more structured songs. "L'aereo d'argento" returns directly to Carlotto's classic repertoire: the song retains the charm of the original but is enriched with a more modern and powerful arrangement. Even more evocative is "Cattedrali di bambino," one of the album's most atmospheric moments, where the keyboards construct an almost cinematic soundscape. Born under a solitary star is another short episode that prepares the entrance of La vendetta degli dei, a song that represents one of the album's peaks in terms of intensity and musical construction. Joey Mauro's artistic direction is clearly evident here, blending progressive keyboards with a rock edge. With "E lo chiami vivere," the album returns to more melodic territory, while "Una tranquillo esistente – Il comico triste" develops a suspended, theatrical atmosphere that further enriches the album's variety. The album's pivotal moment comes with "Demoni," the longest track on the tracklist: over seven minutes in which Hunka Munka fully develop their concept of melodic hard prog, alternating more intense passages with sections of greater musical breadth. "Danza Macabra" closes the album with an almost ritualistic atmosphere, consistent with the album's underlying theme. "Demoni e Dei" is an album that combines historical memory and new energy, bringing to light some of Roberto Carlotto's past songs and placing them in a modern sonic context. A work rich in atmosphere and references to melodic progressive rock, it confirms the vitality of Hunka Munka and the solidity of the collaboration between Carlotto and Joey Mauro.

Tracklist: Addio dolce Edel; Ossessioni; Cavali alati; Justine; L'aeroplano d'argento; Cattedrali di bambù; Nati sotto una stella solitaria; La vendetta degli dei; E lo chiami vevere; Una tranquillità apparente / Il comico triste; Demoni; Danza macabra

 

ExpiatoriA - Il Segno del Comando / Voci notturne

 ExpiatoriA - Il Segno del Comando / Voci notturne

 (Black Widow Records - 2026)

 

Non ricordavo sinceramente dell'esistenza del formato “split”, che diverso tempo fa pare abbia rappresentato  una piccola gemma per appassionati e collezionisti: più band, brani inediti ed un fascino underground che ancora oggi mantiene intatta tutta la sua magia. E dunque ecco qui questo salto all'indietro con Voci Notturne, che grazie alla Black Widow Records, label genovese da sempre attenta al progressive più oscuro e al doom dalle atmosfere evocative, riunisce in questo progetto due realtà importanti della propria scuderia: ExpiatoriA e Il Segno del Comando. Il risultato è un album ispirato alla miniserie televisiva Voci Notturne, opera del 1995 firmata da Pupi Avati che nel tempo è diventata un piccolo cult del mistero italiano. Il disco contiene sette tracce – tre degli ExpiatoriA e quattro de Il Segno del Comando – per circa quarantacinque minuti di musica, registrati tra il 2023 e il 2025 presso gli Evilcation Studios con Edoardo Napoli (che ha curato anche mix e mastering). E' uscito in digitale sulla piattaforma Bandcamp nel mese di marzo ed in  formato fisico, con CD e vinile, quest’ultimo stampato inizialmente in sole cento copie. Aprono il lavoro gli ExpiatoriA, formazione prog doom epic metal composta da AngeleX alla voce, Massimo Malachina e Roberto Lucanato  alla chitarra, Giambattista Malachina al basso ed Enrico Meloni alla batteria. Emily introduce immediatamente l’ascoltatore nelle atmosfere della serie grazie al narrato originale del telefilm. Il brano procede con passo solenne e pesante ed il doom emerge in tutta la sua intensità. Il cantato di AngeleX è intenso e quasi teatrale, mentre i riff granitici si intrecciano con una sezione ritmica dinamica e con un assolo di chitarra dal gusto decisamente ottantiano. Con Sublicius la band conferma il proprio ottimo stato di forma, evocando atmosfere che rimandano ai maestri del doom epico come i Candlemass. Il brano assume quasi un carattere liturgico e solenne. A chiudere il lotto dei pezzi degli ExpiatoriA arriva La Canzone di Lady Valover, episodio più riflessivo costruito su arpeggi suggestivi ed un cantato più controllato, che conduce a un finale strumentale molto efficace. La seconda parte dello split è affidata a Il Segno del Comando, storica formazione progressive guidata dal bassista Diego Banchero; ritroviamo Roberto Lucanato alla chitarra, Riccardo Morello alla voce, Davide Bruzzi a chitarra e tastiere, Beppi Menozzi alle tastiere e Paolo Serboli alla batteria. Con Le Due Vie il sound si sposta verso un progressive metal oscuro e ricercato, con strutture articolate e melodie arricchite dall’uso dei sintetizzatori. Il Crittogramma aumenta l’intensità sonora e mette in evidenza il lato più narrativo della band. Il cantato di Morello, con alcune sfumature che richiamano certa new wave anni Ottanta, accompagna un brano ricco di dettagli ed atmosfere. Segue Litania per Emily e Giacomo, il momento più intimo del disco, dove chitarre acustiche ed elettriche dialogano creando un clima sospeso e suggestivo. La chiusura è affidata alla strumentale Egregoro, che fonde progressive metal e suggestioni neo prog, chiudendo l’album con eleganza. Voci Notturne è uno split riuscito, che rende omaggio alla serie di Avati mantenendo al tempo stesso una forte identità musicale. Le due band interpretano lo stesso immaginario oscuro da prospettive diverse ma complementari, creando un lavoro coerente ed affascinante per gli amanti del prog e delle atmosfere più misteriose. 

 

 Ascolta Voci notturne su Spotify  

 

Tracklist: ExpiatoriA / Emily; Sublicious; La canzone di Lady Valover; Il Segno del Comando / Le due vie; Il crittogramma; Litania per Emily e Giacomo; Egregoro 

 

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ENGLISH VERSION 

 

I honestly didn't remember the existence of the "split" format, which some time ago seemed to have represented a little gem for enthusiasts and collectors: multiple bands, unreleased tracks, and an underground charm that still retains all its magic today. And so here is this leap back with Voci Notturne, which, thanks to Black Widow Records, a Genoese label that has always been attentive to the darkest progressive and atmospherically evocative doom, brings together in this project two important entities from its stable: ExpiatoriA and Il Segno del Comando. The result is an album inspired by the television miniseries Voci Notturne, a 1995 work by Pupi Avati that over time has become a small cult of Italian mystery. The album contains seven tracks – three by ExpiatoriA and four by Il Segno del Comando – for about forty-five minutes of music, recorded between 2023 and 2025 at Evilcation Studios with Edoardo Napoli (who also handled the mix and mastering). It was released digitally on the Bandcamp platform in March and in physical format, on CD and vinyl, the latter initially printed in only one hundred copies. The album opens with ExpiatoriA, a prog doom epic metal band composed of AngeleX on vocals, Massimo Malachina and Roberto Lucanato on guitar, Giambattista Malachina on bass and Enrico Meloni on drums. Emily immediately introduces the listener to the atmosphere of the series thanks to the original narration of the TV series. The song proceeds with a solemn and heavy step and the doom emerges in all its intensity. AngeleX's singing is intense and almost theatrical, while the granite riffs intertwine with a dynamic rhythm section and a guitar solo with a decidedly eighties flavour.With Sublicius, the band confirms its excellent form, evoking atmospheres reminiscent of epic doom masters like Candlemass. The song takes on an almost liturgical and solemn character. Closing out the batch of ExpiatoriA tracks is La Canzone di Lady Valover, a more reflective piece built on evocative arpeggios and more controlled vocals, leading to a highly effective instrumental finale. The second part of the split is entrusted to Il Segno del Comando, a historic progressive band led by bassist Diego Banchero; we find Roberto Lucanato on guitar, Riccardo Morello on vocals, Davide Bruzzi on guitar and keyboards, Beppi Menozzi on keyboards, and Paolo Serboli on drums. With Le Due Vie, the sound shifts toward a dark and refined progressive metal, with complex structures and melodies enriched by the use of synthesizers. Il Crittogramma increases the sonic intensity and highlights the band's more narrative side. Morello's vocals, with nuances reminiscent of 1980s new wave, accompany a song rich in detail and atmosphere. This is followed by "Litania per Emily e Giacomo," the album's most intimate moment, where acoustic and electric guitars interact, creating a suspended and evocative atmosphere. The closing track is the instrumental "Egregoro," which blends progressive metal and neo-prog influences, elegantly closing the album. "Voci Notturne" is a successful split, paying homage to Avati's series while maintaining a strong musical identity. The two bands interpret the same dark imagery from different yet complementary perspectives, creating a coherent and fascinating work for lovers of prog and more mysterious atmospheres. 

 

 Listen Voci notturne su Spotify  

 

Tracklist: ExpiatoriA / Emily; Sublicious; La canzone di Lady Valover; Il Segno del Comando / Le due vie; Il crittogramma; Litania per Emily e Giacomo; Egregoro 

Tedeschi Trucks Band - Future Soul

 Tedeschi Trucks Band - Future Soul

 (Fantasy Records - 2026)

 

E' stato pubblicato ieri da Fantasy Records Future Soul, sesto album in studio della Tedeschi Trucks Band, dopo che a settembre scorso era uscito Mad Dogs & Englishmen Revisited (Live At Lockn'). A quattro anni dal monumentale I Am the Moon — progetto ambizioso e stratificato, diviso in quattro capitoli — il collettivo che vede alla guida Susan Tedeschi e Derek Trucks cambia prospettiva. Mentre il lavoro precedente era introspettivo, quasi spirituale, il nuovo capitolo è dichiaratamente estroverso, diretto, costruito per comunicare subito. Un album dal suono più compatto, più rifinito, e soprattutto dove trova minor spazio la tendenza alla divagazione strumentale; più canzoni nel senso classico del termine. Non per questo è doveroso parlare di svolta commerciale, tutt'altro. E' semplicemente cambiato l'approccio alla scrittura dei brani, più brevi e diretti, senza fronzoli. L’apertura con Crazy Cryin’ chiarisce subito l’intento: riff azzeccato, funky e fiati in evidenza e la voce di Susan Tedeschi, che pare continui a migliorare ed uno strigato solo di Derek Trucks. Si prosegue con i due brani scelti come singoli (I Got You e Who Am I); gradevole e solare il primo a firma del cantante Mike Mattison mentre il secondo è più intimo e riflessivo e mette ancora in luce l'ugola di Susan Tedeschi. La successiva Hero è tra i momenti più interessanti del disco, con un ritmo che cresce progressivamente e, a rischio di sembrar noioso, con un'altra grande prova di Susan Tedeschi. Si torna ad un'atmosfera soffusa con la breve What in the World, sospesa e malinconica; poi arriva la title track Future Soul  ed il tiro si rialza con il rock che arriva possente e la chitarra a dettare legge; altro ottimo brano. In Under the Knife è Mike Mattison impegnato alla voce; si va verso un rock più manieristico dove spicca l'ottimo l'arrangiamento dei fiati; Be Kind non è male ma niente pù, forse la traccia più normale o la meno azzeccata, da qualunque parte la si analizzi. Il blues si riaffaccia in Devil Be Gone con un bell'assolo di Trucks che l'impreziosice,  e ci si avvia al finale dell'album. Gli ultimi due brani sono legati da un senso di relativa tranquilità:  Shout Out, quasi drammatica con le sue sfumature corali ed il breve gioiellino di Ride On, che chiude il disco con le note della chitarra, e modo migliore poteva non esserci. Chi cerca le lunghe jam e le improvvisazioni non le troverà forse qui, ma potrà sbizzarrirsi nell'apprezzarli in concerto. La band è forse entrata in una fase più accessibile, ma lo ha fatto senza tradire la propria anima. E se il futuro avrà ancora un'anima c'è quindi soltanto da augurarsi un nuovo tour europeo e magari italiano (dopo l'ultimo nel 2019); c'è voglia di tornare ad ascoltare questi alfieri del rock d'oltre oceano.

 Ascolta Future Soul su Spotify 

Tracklist: Crazy Cryin'; I Got You; Who Am I; Hero; What In The World; Future Soul; Under The Knife; Be Kind; Devil Be Gone; Shout Out; Ride On

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English version 

It was released yesterday by Fantasy Records Future Soul, the sixth studio album by the Tedeschi Trucks Band, after Mad Dogs & Englishmen Revisited (Live At Lockn') was released last September. Four years after the monumental I Am the Moon — an ambitious and layered project, divided into four chapters — the collective led by Susan Tedeschi and Derek Trucks is changing its perspective. While the previous work was introspective, almost spiritual, the new chapter is avowedly extroverted, direct, built to communicate immediately. An album with a more compact, more refined sound, and above all where the tendency towards instrumental digression finds less space; more songs in the classical sense of the term. That does not mean that we have to talk about a commercial breakthrough, far from it. The approach to writing songs has simply changed, shorter and more direct, without frills. The opening with Crazy Cryin’ immediately clarifies the intent: a well-chosen riff, funky and prominent horns and the voice of Susan Tedeschi, who seems to continue to improve and a strigato solo by Derek Trucks. We continue with the two songs chosen as singles (I Got You and Who Am I); the first, written by singer Mike Mattison, is pleasant and sunny, while the second is more intimate and thoughtful and once again highlights Susan Tedeschi's uvula. The following Hero is among the most interesting moments of the album, with a progressively increasing pace and, at the risk of sounding boring, with another great performance by Susan Tedeschi. The song returns to a subdued atmosphere with the brief, suspended, and melancholic What in the World. Then comes the title track, Future Soul, and the shot rises again with the rock coming in powerfully and the guitar dictating the way; another excellent song. On Under the Knife, Mike Mattison takes over the vocals; the move is toward a more manneristic rock style, where the excellent horn arrangement stands out; Be Kind isn't bad, but it's nothing more, perhaps the most normal or the least fitting track, no matter where you analyze it. The blues resurfaces on Devil Be Gone with a beautiful solo by Trucks that embellishes it, and we get to the end of the album. The last two songs are linked by a sense of relative tranquility: Shout Out, almost dramatic with its choral nuances and the short gem of Ride On, which closes the album with the notes of the guitar, and there could have been no better way. Those looking for long jams and improvisations may not find them here, but they can indulge in appreciating them in concert. The band may have entered a more accessible phase, but they did so without betraying their soul. And if the future still has a soul, we can only hope for a new European tour, perhaps an Italian one (after the last one in 2019); we want to get back to listening to these champions of overseas rock.

 Listen to Future Soul on Spotify 

Tracklist: Crazy Cryin'; I Got You; Who Am I; Hero; What In The World; Future Soul; Under The Knife; Be Kind; Devil Be Gone; Shout Out; Ride On